저는 마술이 마치 몸에 딱 맞는 수트 같아야 한다고 생각합니다. 가끔 우리는 단순히 마음에 든다는 이유로 마술이나 연출을 그대로 따라 하려고 고집하곤 하죠. 하지만 그것이 마술사로서의 내 캐릭터나 상황 등과 맞지 않을 때가 있습니다. 설령 2백 년 동안 살아남은 역사상 최고의 연출이라 할지라도, 나와 맞지 않는다면 평생이 지나도 결코 어울리지 않을 겁니다.
어떤 마술들은 끝내 내 것으로 만들지 못할 수도 있고, 또 어떤 마술들(극히 일부겠지만)은 나에게 완벽하게 딱 맞을 겁니다. 그리고 대부분의 마술들은 우리가 시연할 때 편하게 느끼도록 어느 정도 어댑트(수정)해야 합니다. 카운트 기술 하나를 바꾸거나, 패터(멘트)를 바꾸는 식으로 말이죠...
그리고 마술이 내 것처럼 느껴지게 하기 위해 꼭 마술을 직접 창작해야 할 필요는 없습니다. Fred Kaps는 훌륭한 '해석가(interpreter)' 타입 마술사의 대표적인 예시이며, Ascanio에게는 그가 단연코 가장 위대한 마술사였습니다.
참고로, 다른 모든 예술 분야가 그렇듯 시작할 때 모방(카피)하는 것은 지극히 자연스럽고 또 바람직한 과정입니다. 우리는 자신만의 마술적 캐릭터를 만들어가는 과정에 있으니까요. 아직 우리에게 무엇이 잘 맞고 무엇이 안 맞는지 모르기 때문에, 그렇게 스스로의 마술적 정체성을 찾아가는 것입니다.
중요한 것은 본인이 얼마나 편안하게 느끼는가입니다. 당연히 스스로도 믿지 않는 연출(프레젠테이션)은 본인이 100% 확신을 가지고 하는 연출만큼의 감동이나 메시지를 관객에게 전달할 수 없습니다.
이갈 메시카(Yigal Mesika)가 공중부양(levitation)이나 서스펜션(suspension) 연출이 관객에게 진심으로 와닿으려면,마술사 본인부터 진짜라고 믿어야 하고 (동시에 스스로도 신기해해야 한다)고 늘 강조하는 것도 이 때문입니다. 물체가 스스로 공중에 뜨거나 움직이는 것 말이죠. 기믹 없이 오직 마술사의 의지만으로 움직이는 '혼티드 키(Haunted Key)'나 카피야의 '블로우(Blow)' 등도 마찬가지입니다. 마술사의 의지에 따라 놀라운 현상이 일어나고 마술사가 자신의 '힘'을 사용하는 것처럼 보이는데, 정말 신기하지 않나요?
그렇다면 이런 전제하에 여러분은 프레젠테이션을 어떻게 바꾸시겠습니까? 저는 이미 검증된 연출(스크립트)을 그대로 카피해 보는 것도 전혀 문제없다고 생각합니다. 특히 대중적인 농담이나 보편적인 상황이 녹아있는 연출이라면 더더욱 그렇습니다. 물론 결국에는 자신만의 색깔을 조금씩 입혀야겠지만요. 사실 '프로페서스 나이트메어(교수님의 악몽)'나 '와일드 카드(Wild Card)' 같은 클래식 마술들은 단순히 현상을 설명하는 대사(설명적 스크립트)에서 소설 같은 가상의 이야기(허구적 스크립트)로 스토리를 바꾸기가 쉽지 않은 편이기도 합니다.
하지만 뭐, 이전 칼럼에서도 제가 말씀드렸듯이, 세상에 정해진 절대적인 법칙이란 존재하지 않으며(마술에서는 더더욱 그렇죠), 단순히 현상을 설명하거나 재현하는 뻔한 대사 외에도 스토리텔링, 은유, 비유, 우화, 에피소드, 역사 등 활용할 수 있는 문학적 장치는 무궁무진합니다. 중요한 것은 지루하지 않게 다양한 시도를 해보며 스스로 즐기는 것입니다.
내러티브에 대해 더 자세히 알아보고 싶으시다면, 블라디미르 프로프의 《민담 형태론》 과 조셉 캠벨의 《영웅의 여정》 을 읽어보시길 추천합니다.
조금 더 구체적으로 마술 스크립트의 문학적 구조에 대해 공부하고 싶다면, 피트 맥케이브의 《스크립팅 매직(Scripting Magic)》 이나 아르만도 데 미겔의 《방법이 있는 담론(El discurso con método)》 을 추천합니다.
안녕하세요 여러분, 남겨주신 의견들 정말 감사드립니다. 사실 제가 이 화두를 던진 이유는, 다각도로 생각해 볼 수 있는 주제이기도 하고 서로 의견을 나누는 걸 워낙 좋아하기 때문입니다. 제 생각을 말씀드리자면, 처음 마술에 입문할 때는 트릭이나 연출(패터) 등을 그대로 카피하는 것부터 시작할 수밖에 없다고 봅니다. 그러다가 경험과 실전이 쌓이면서 점차 자신만의 스타일로 다듬어 나가고, 결국에는 자신만의 시그니처를 더하거나 엔딩을 바꾸는 등 변화를 주게 되는 것이죠.
저는 오랫동안 DJ로도 활동했었는데요, 늘 입버릇처럼 하던 말이 있습니다. 좋은 DJ는 어떤 상황에서도 플로어에 관객을 채워둘 수 있어야 하며, 정작 본인이 즐기지 못한다면 관객들을 즐겁게 하거나 춤추게 만들 수 없다는 것입니다.
저는 연출이야말로 마술사를 정의하고 타인과 차별화하는 핵심이라고 생각합니다. 물론 마음에 와닿았거나 우리가 추구하는 마술관, 그리고 '캐릭터'에 잘 맞아서 어떤 루틴에 개그나 농담, 혹은 서사적 장치를 통째로 가져다 쓰는 것은 충분히 있을 수 있는 일입니다. 하지만 연출 전체를 그대로 카피하는 것은 마술사로서의 역할을 퇴색시키는 행위입니다. 특히 누군가가 다른 곳에서 똑같이 베껴진 공연을 이미 보고 실망할 리스크가 크기 때문입니다. 완전히 똑같은 루틴의 같은 트릭이라도 연출을 바꾸면 완전히 새로운 마술처럼 보일 수 있고, 반대로 서로 다른 마술이라도 똑같은 방식으로 연출하면 관객에게는 그저 뻔한 반복처럼 느껴질 수 있습니다... 제가 구전 동화와 스토리텔링 분야에서 활동하다 보니 서사에 유독 큰 의미를 부여하는 것일지도 모릅니다. 하지만 저는 모든 마술 공연의 성공 여부는 우리가 이야기를 어떻게 전달하는지, 얼마나 독창적일 수 있는지, 그리고 그 모든 요소를 우리 자신의 캐릭터에 어떻게 녹여내는지에 상당 부분 달려 있다고 믿습니다.
어떤 마술사가 되고 싶은지에 따라 크게 달라지기 때문에, 참 답하기 어려운 질문이네요.
저는 마술이 마치 몸에 딱 맞는 수트 같아야 한다고 생각합니다. 가끔 우리는 단순히 마음에 든다는 이유로 마술이나 연출을 그대로 따라 하려고 고집하곤 하죠. 하지만 그것이 마술사로서의 내 캐릭터나 상황 등과 맞지 않을 때가 있습니다. 설령 2백 년 동안 살아남은 역사상 최고의 연출이라 할지라도, 나와 맞지 않는다면 평생이 지나도 결코 어울리지 않을 겁니다.
어떤 마술들은 끝내 내 것으로 만들지 못할 수도 있고, 또 어떤 마술들(극히 일부겠지만)은 나에게 완벽하게 딱 맞을 겁니다. 그리고 대부분의 마술들은 우리가 시연할 때 편하게 느끼도록 어느 정도 어댑트(수정)해야 합니다. 카운트 기술 하나를 바꾸거나, 패터(멘트)를 바꾸는 식으로 말이죠...
그리고 마술이 내 것처럼 느껴지게 하기 위해 꼭 마술을 직접 창작해야 할 필요는 없습니다. Fred Kaps는 훌륭한 '해석가(interpreter)' 타입 마술사의 대표적인 예시이며, Ascanio에게는 그가 단연코 가장 위대한 마술사였습니다.
참고로, 다른 모든 예술 분야가 그렇듯 시작할 때 모방(카피)하는 것은 지극히 자연스럽고 또 바람직한 과정입니다. 우리는 자신만의 마술적 캐릭터를 만들어가는 과정에 있으니까요. 아직 우리에게 무엇이 잘 맞고 무엇이 안 맞는지 모르기 때문에, 그렇게 스스로의 마술적 정체성을 찾아가는 것입니다.
중요한 것은 본인이 얼마나 편안하게 느끼는가입니다. 당연히 스스로도 믿지 않는 연출(프레젠테이션)은 본인이 100% 확신을 가지고 하는 연출만큼의 감동이나 메시지를 관객에게 전달할 수 없습니다.
이갈 메시카(Yigal Mesika)가 공중부양(levitation)이나 서스펜션(suspension) 연출이 관객에게 진심으로 와닿으려면,마술사 본인부터 진짜라고 믿어야 하고 (동시에 스스로도 신기해해야 한다)고 늘 강조하는 것도 이 때문입니다. 물체가 스스로 공중에 뜨거나 움직이는 것 말이죠. 기믹 없이 오직 마술사의 의지만으로 움직이는 '혼티드 키(Haunted Key)'나 카피야의 '블로우(Blow)' 등도 마찬가지입니다. 마술사의 의지에 따라 놀라운 현상이 일어나고 마술사가 자신의 '힘'을 사용하는 것처럼 보이는데, 정말 신기하지 않나요?
그렇다면 이런 전제하에 여러분은 프레젠테이션을 어떻게 바꾸시겠습니까? 저는 이미 검증된 연출(스크립트)을 그대로 카피해 보는 것도 전혀 문제없다고 생각합니다. 특히 대중적인 농담이나 보편적인 상황이 녹아있는 연출이라면 더더욱 그렇습니다. 물론 결국에는 자신만의 색깔을 조금씩 입혀야겠지만요. 사실 '프로페서스 나이트메어(교수님의 악몽)'나 '와일드 카드(Wild Card)' 같은 클래식 마술들은 단순히 현상을 설명하는 대사(설명적 스크립트)에서 소설 같은 가상의 이야기(허구적 스크립트)로 스토리를 바꾸기가 쉽지 않은 편이기도 합니다.
하지만 뭐, 이전 칼럼에서도 제가 말씀드렸듯이, 세상에 정해진 절대적인 법칙이란 존재하지 않으며(마술에서는 더더욱 그렇죠), 단순히 현상을 설명하거나 재현하는 뻔한 대사 외에도 스토리텔링, 은유, 비유, 우화, 에피소드, 역사 등 활용할 수 있는 문학적 장치는 무궁무진합니다. 중요한 것은 지루하지 않게 다양한 시도를 해보며 스스로 즐기는 것입니다.
내러티브에 대해 더 자세히 알아보고 싶으시다면, 블라디미르 프로프의 《민담 형태론》 과 조셉 캠벨의 《영웅의 여정》 을 읽어보시길 추천합니다.
조금 더 구체적으로 마술 스크립트의 문학적 구조에 대해 공부하고 싶다면, 피트 맥케이브의 《스크립팅 매직(Scripting Magic)》 이나 아르만도 데 미겔의 《방법이 있는 담론(El discurso con método)》 을 추천합니다.
조금이나마 도움이 되었기를 바랍니다. 그럼 즐거운 마술 하세요!
안녕하세요 여러분, 남겨주신 의견들 정말 감사드립니다. 사실 제가 이 화두를 던진 이유는, 다각도로 생각해 볼 수 있는 주제이기도 하고 서로 의견을 나누는 걸 워낙 좋아하기 때문입니다. 제 생각을 말씀드리자면, 처음 마술에 입문할 때는 트릭이나 연출(패터) 등을 그대로 카피하는 것부터 시작할 수밖에 없다고 봅니다. 그러다가 경험과 실전이 쌓이면서 점차 자신만의 스타일로 다듬어 나가고, 결국에는 자신만의 시그니처를 더하거나 엔딩을 바꾸는 등 변화를 주게 되는 것이죠.
저는 오랫동안 DJ로도 활동했었는데요, 늘 입버릇처럼 하던 말이 있습니다. 좋은 DJ는 어떤 상황에서도 플로어에 관객을 채워둘 수 있어야 하며, 정작 본인이 즐기지 못한다면 관객들을 즐겁게 하거나 춤추게 만들 수 없다는 것입니다.
우루과이에서 모두에게 안부를 전합니다.
저는 연출이야말로 마술사를 정의하고 타인과 차별화하는 핵심이라고 생각합니다. 물론 마음에 와닿았거나 우리가 추구하는 마술관, 그리고 '캐릭터'에 잘 맞아서 어떤 루틴에 개그나 농담, 혹은 서사적 장치를 통째로 가져다 쓰는 것은 충분히 있을 수 있는 일입니다. 하지만 연출 전체를 그대로 카피하는 것은 마술사로서의 역할을 퇴색시키는 행위입니다. 특히 누군가가 다른 곳에서 똑같이 베껴진 공연을 이미 보고 실망할 리스크가 크기 때문입니다. 완전히 똑같은 루틴의 같은 트릭이라도 연출을 바꾸면 완전히 새로운 마술처럼 보일 수 있고, 반대로 서로 다른 마술이라도 똑같은 방식으로 연출하면 관객에게는 그저 뻔한 반복처럼 느껴질 수 있습니다... 제가 구전 동화와 스토리텔링 분야에서 활동하다 보니 서사에 유독 큰 의미를 부여하는 것일지도 모릅니다. 하지만 저는 모든 마술 공연의 성공 여부는 우리가 이야기를 어떻게 전달하는지, 얼마나 독창적일 수 있는지, 그리고 그 모든 요소를 우리 자신의 캐릭터에 어떻게 녹여내는지에 상당 부분 달려 있다고 믿습니다.
안녕하세요, 여러분.
이곳 멕시코에는 '두꺼비 크기에 따라 던지는 돌이 달라진다(상황과 대상에 맞게 대처해야 한다)'라는 속담이 있습니다.
페이를 받고 활동하는 프로 마술사라면 오리지널리티를 보여줘야 하기 때문에 남의 것을 카피해서는 안 되며, 자신만의 새로운 연출을 만들어낼 의무가 있습니다. 연출은 물론이고 마술(트릭) 자체도 조금씩은 변형을 주어야 하죠.
하지만 가족이나 친구들에게 가볍게 보여주는 아마추어 마술사라면, 기존에 전해 내려오는 고전적인 연출을 그대로 사용하는 것도 전혀 문제없습니다.
따뜻한 안부를 전하며,