Criação de um ato de magia teatral

Del tema a una personalidad reconocible

A conferência propõe um percurso para construir um ato, começando pela ideia que o une e pela pessoa que o interpreta. Adolfo Andrés distingue a magia tematizada, onde a personagem, os objetos e os efeitos partilham um tema, da magia teatralizada, onde as ações respondem também a uma história e a um motivo.

O primeiro trabalho consiste em procurar um tema relacionado com interesses próprios e resumi-lo em poucas palavras. Estuda-se o motivo pelo qual reunir primeiro os truques disponíveis pode limitar a construção e como utilizar passatempos, filmes, leituras ou outras referências para encontrar uma proposta que possas desenvolver com conhecimento.

A personalidade pode partir de ti próprio ou de uma figura de ficção. Trabalham-se duas dimensões: a estética, que inclui vestuário, cabelo, maquilhagem e acessórios, e a atitude, que se expressa com o corpo e a voz. Criar um passado para a personagem ajuda a decidir como se comporta e a conservá-lo também quando uma ação técnica falha.

Revisa-se a coerência entre tema, aspeto e conduta, prestando atenção a detalhes que possam contradizer a proposta. A personagem deve ajustar-se às tuas capacidades artísticas. Como exercício, propõe-se atuar com poucos efeitos que domines e deixar espaço para as suas reações, observando depois o que funcionou perante o público.

Objetos, pistas y monólogo interior

Analisa-se como conseguir que o público identifique os objetos à primeira, sem depender de que conheça o material habitual das lojas de magia. Cada objeto é estudado pela sua aparência, a sua utilidade e o dado argumental que aporta à história. O exemplo de uma carta dentro de um envelope mostra como o aspeto, a leitura e um detalhe visual podem comunicar informação distinta.

As pistas auditivas, visuais e de atitude preparam a compreensão de uma ação ou um gag. A conferência compara situações apresentadas sem contexto com as mesmas situações depois de estabelecer o que acontece à personagem.

O monólogo interior é praticado como apoio para um ato sem palavras: primeiro verbalizas o que a personagem percebe, pensa e decide; depois manténs essa sequência sem a dizer. Mostram-se exemplos com objetos para separar surpresa, contemplação, intenção e reação, de modo que os gestos tenham continuidade e possam ser lidos a partir da plateia. Também se estudam as pausas para olhar para o público e partilhar o que aconteceu sem abandonar a personalidade.

Ritmo, música y maquillaje

O ritmo da personagem diferencia-se da velocidade. Um exercício consiste em observar uma atuação sem som para reconhecer a cadência do corpo, sem se deixar levar pela música. Explica-se o uso do metrónomo para ensaiar movimentos e das contagens de oito para organizar entradas, cumprimentos e percursos com a música.

Trabalha-se como adaptar o comprimento dos passos ao palco e como escolher, durante a aprendizagem, um ritmo que permita realizar as ações com tranquilidade. A música é avaliada em relação aos meios e à energia do ato, evitando que obrigue a correr ou deixe a personagem sem tempo para reagir.

A maquilhagem é abordada como parte da leitura de olhos, boca e feições sob a iluminação cénica. Há recomendações básicas sobre a definição do olhar, tons e acabamento, para além da importância de ensaiar com maquilhagem para detetar problemas de suor, atrito ou transferência para os objetos. Não é uma demonstração completa de aplicação de maquilhagem profissional.

Espacio, conflicto y desarrollo de la historia

A disposição do adereço e a iluminação ajudam a delimitar um espaço de trabalho reconhecível. Explica-se como conservar relações de distância que permitam atuar com segurança e adaptar essas proporções quando o palco o exigir.

Para passar do tema à história, a proposta é encontrar primeiro o conflito central e construir depois os antecedentes e o desfecho. Os exemplos servem para perguntar o que a personagem precisa e porque aparece um objeto ou sucede uma transformação. Os efeitos são incorporados em função dessa necessidade dramática.

Ejercicios de movimiento y expresión

A parte corporal desenvolve a postura a que o professor chama torre Eiffel, aplicada a dirigir a intenção, alcançar uma mesinha de apoio e deslocar-se para os lados, à frente ou atrás. Mostram-se deslocações laterais e piruetas para mudar de posição mantendo o contacto com o público e orientar-te no palco.

Com o peito, os ombros, as pernas e o rosto comparam-se atitudes de bem-estar, valentia, desafio, apatia, tristeza e timidez. Insiste-se em acompanhar a emoção com todo o corpo e evitar sinais contraditórios.

Podes continuar o trabalho com papel para as tuas ideias, um objeto do teu repertório, uma cadeira ou mesa que sirva de referência e espaço livre para te moveres. A música, um metrónomo e uma gravação ajudam nos exercícios de ritmo. Para testar a personagem convém dispor de dois ou três efeitos simples que já domines. O ensino prático centra-se em construir e interpretar o ato; os métodos das ilusões utilizadas como exemplos não são explicados.